in the mood for love
Life often throws unexpected felicities down my path: a friend sends me the lyrics of an Osvaldo Farrés song: Quizás. You must know it; it’s love long hoped for, long awaited, long delayed… Quizás was a musical eternal of my girlhood, so the message arrived bearing an emotional charge greater than could be imagined. The tune (sung by Nat King Cole) was also used in one of the most perfect films I’ve ever seen: In the Mood for Love. It’s been years since I’ve seen it, but Maggie Cheung’s face as she passes her lover in the stairs is as vivid to me now as it ever was; even more so, since it has left the screen and has taken up residence among my memories. It’s a touch me and I’ll fall apart moment- which is why she cannot allow herself, or even her shoulders, to brush against him. Before she turns away, she glances at him and there is such longing in that moment -which seems to last a lifetime because it’s filmed in slow motion- I feel like I am there, so close I can feel her heartbeat in my chest. There is not much that happens plotwise: the setting is Hong Kong in the 60’s and these two play a man and a woman who discover their respective spouses are having an affair. They begin a relationship based on mutual consolation and sadness, arising out of their sense of betrayal. As lust builds between them, they meet for dinner, share cab rides, walk through back alleys, never indulging in the heat we feel. In fact, their bodies and hearts skilled in longing, they spend the entire film denying themselves what they madly crave. Their growing passion is shown in the way their characters glance at each other and move (Maggie Cheung reminds me of a Baudelaire verse: Et même quand elle marche, on dirait qu’elle danse – even as she walks , one would say she dances…) . There are several scenes that show Tony Leung’s back (seated at a desk, walking away in a hotel lobby). Only someone indifferent to the human body would discount the expressiveness of a back. It can show such solitude, such yearning that one could not refrain from embracing it. The movie unfolds slowly, as a real love story would. It is gorgeous, visually rich, with the sumptuous and muted colors of old tapestries and the score is as haunting and beautiful as Wong Kar-wai’s superb directing. The sexual anticipation in this unfulfilled love story makes it an erotic masterpiece. Oftentimes I was breathless, like a voyeur eavesdropping on the private moments of these lovers. I am breathless as I reminisce about it now.
Michele Voltaire Marcelin
In the Mood for Love – 97 minutes
Directed by Wong Kar-wai
Starring Tony Leung and Maggie Cheung
Soundtrack- Compositions on violin and orchestra by Umebayashi Shigeru and renditions by Nat King Cole
Cinematography- Chris Doyle and Art direction- William Chang
"Quizás, Quizás, Quizás" – written by Osvaldo Farrés, Cuba, 1947
Siempre que te pregunto
Que, cuándo, cómo y dónde
Tú siempre me respondes
Quizás, quizás, quizás
Y así pasan los días
Y yo, desesperando
Y tú, tú contestando
Quizás, quizás, quizás
Estás perdiendo el tiempo
Pensando, pensando
Por lo que más tú quieras
¿Hasta cuándo? ¿Hasta cuándo?
Y así pasan los días
Y yo, desesperando
Y tú, tú contestando
Quizás, quizás, quizás
Estás perdiendo el tiempo
Pensando, pensando
Por lo que más tú quieras
¿Hasta cuándo? ¿Hasta cuándo?
Y así pasan los días
Y yo, desesperando
Y tú, tú contestando
Quizás, quizás, quizás
The Other Side of the Water
The Other Side of the Water
- Lòt Bò Dlo- a Jeremy Robbins and Magali Damas film, follows the journey of DJARARA
(a Brooklyn Rara band) through a labyrinth of vodou temples, underground economies, and violent politics from Haiti to New York City.
Exploring the personal stories behind the music, this documentary-in-progress shows how young Haitian immigrant musicians, fueled by their passion for this music form, have transformed the language of Rara on the Brooklyn streets.
From the hills of Haiti, came this ancient music, this rousing noise: the voice of slaves rebelling against the French…
Traditional Rara, at once carnival, vodou ceremony and grassroots protest, is ground-shaking music whose main instruments are cylindrical bamboo or recycled metal trumpets called vaksin, although it can also feature drums, maracas, metal bells and other wind and percussion instruments.
During this vibrant annual festival, followers of the Afro-Creole religion Vodou, accompanied by twirlers using metal batons, take to the streets marching loudly into public spaces to demand an active role in politics. Processional performances begin on Ash Wednesday and culminate at Easter week-end. Rara is often used for political purposes, with candidates commissioning songs praising them and their campaigns. Lyrics also often address difficult issues, such as political oppression or poverty. Consequently, Rara musicians and groups have sometimes been banned from performing and even forced into exile by the dictatorships.
“In 2002 I had just returned from Haiti where I had been for ten years. On a rainy night in September a friend took me out to hear Djarara, and I found myself running through streets in the middle of a huge crowd through the rain, and it was as if a piece of Brooklyn had been transformed into Haiti. I knew then that this story needed to be told. As a first generation Haitian-American, my biggest challenge is to try to present positive information about Haiti, but also remain objective as a filmmaker about this aspect of the Haitian experience.” Magali Damas
The title “The Other Side of the Water” comes from the full name of the band “DjaRara: Lòt Bò Dlo.” The idea of coming or being across the water is central to the documentary. As the band’s founder Yves puts it “The wind that blew us here will one day blow us back.”
“The film offers an essential, re-affirming perspective of Haitian imagery and culture that desperately needs to be seen.”
Michelle Materre, Professor of Media Studies, The New School
The Other Side of the Water combines archival footage of early Rara bands in Haiti’s countryside with vérité narratives, and interviews with the musicians, their family and friends. Conversations about the group and the music, what it means, how it came together, fell apart and was re-created, tell the story of Djarara. Dissenting voices are also heard, and these meandering, non-chronological images and moments create an insightful, surprisingly touching and at times hilarious look into the life of Djarara. For those interested in discovering Rara music for the first time or those already well into the madness, this emotionally generous documentary offers a fascinating look at young, impoverished kids looking to make a difference with their rhythms, and will prove a thoroughly enjoyable experience.
Djarara fans at the BAM
With Patrick Augustin of Metrovision and Magali Damas, co-producer of The Other Side of the Water
With musicians Tiga Jean-Baptiste and Buyu Ambroise
Jeremy Robbins:(director, co-producer) is a media educator and filmmaker with a passion for visual storytelling. In early 2004, he produced and directed “The Cause of Pierre Toussaint”, a documentary on a 17th century Haitian former slave who is now considered for sainthood by the Catholic church. He has worked with POV, MTV and DCTV.
Magali Damas:(co-producer) works tirelessly to promote Haitian culture both here and in Haiti. She has worked the past fifteen years in video production, festival organizations and civic activism. In 2004, she co-produced “The Cause of Pierre Toussaint” and co-directed a music video for Djarara featured on the national cable broadcast of “Democracy Now” with Amy Goodman.
Sources:
Interview HaitiXchange.com in October 2005
http://www.othersideofthewater.org/press.asp
Interesting links:
http://rara.wesleyan.edu/
Other Rasin (root music) bands you might want to listen to :
Ram & Boukman Eksperyans
Le Patron
«On fait du théâtre parce qu’on a l’impression de n’avoir jamais été soi-même et qu’enfin on va pouvoir l’être.»
Louis Jouvet
Surnommé “Le Patron”, Jouvet était un comédien et un metteur en scène passionné qui recherchait avant tout la vérité dans le jeu et le théâtre. Il était bègue et pour devenir l’acteur que l’on connaît, il a développé cette diction parfaite et ce phrasé syncopé, souvent imités mais jamais retrouvés, qui l’ont rendu célèbre. Et sa voix grave et pénétrante, d’une texture irremplaçable, travaillée avec une précision extrême, imprégnait les mots avec une évidence telle qu’il était ensuite difficile de les entendre dire par une autre voix. Bien qu’il fut un acteur de cinéma réticent – il préférait le théâtre- c’est grâce à ses films que j’ai eu la joie de le connaitre.
Je l’ai vu jouer dans “Quai des Orfèvres” de Clouzot. Il y tenait le rôle de l’inspecteur Antoine, un policier perspicace et désabusé qui avait appris la comptabilité avec un escroc, la gravure avec un faussaire “et il y a même un danseur mondain qui a voulu m’apprendre le tango, mais je n’étais pas doué“.
Ce plaisir en appellait d’autres et je me mis à la recherche de tous les films disponibles: “Topaze“, “Drôle de Drame“, “Le Corbeau“. Et quel bonheur cet été, de découvrir un cd d’un “Hommage à Jouvet” qui incorporait ses textes de théâtre. Quelle jouissance d’entendre Jouvet jouer Molière, Giraudoux -son auteur fétiche- et Emile Mazaud dans ce texte extraordinaire “La folle journée”, dont l’édition est épuisée, mais que je recherche encore en espérant un miracle.
“Jouvet souffrit toute sa vie. On le sentait souvent seul, bien qu’il fut entouré d’affections les plus fidèles et les plus exceptionnellement dévouées. Il était jaloux, il s’imaginait qu’on le trompait, qu’on le trahissait, qu’on l’abandonnait. Ses critiques étaient affectives, brutales, mais elles avaient toujours l’accent de l’amour blessé, aussi les comprenait-on, aussi étaient-elles pour nous des critiques fécondes. C’est que, au fond de lui, il y eut toujours un enfant persistant et je crois bien que cet enfant, que Jouvet était resté, vécut presque toute sa vie dans la peur. La peur est un sentiment très valable. Plus on est sensible et intelligent, plus on pénètre dans l’obscurité des choses, et plus il est normal d’avoir peur. Jouvet vécut dans la peur de la mort comme dans la peur de se tromper. Et quel courage il faut, et quelle passion aussi, pour s’obstiner à s’exposer, alors que, par sensibilité exceptionnelle, on vit constamment dans la peur. C’est cette peur, ce doute, cette inquiétude qui consumèrent Jouvet.”
Hommage de Jean-Louis Barrault
Anna Magnani ~ Rome Ville Ouverte…
C’est Anna Magnani qui m’a donné l’envie d’être comédienne.
Elle n’était pas belle, ce qui me donnait de l’espoir au temps où la beauté physique des comédiennes semblait un obstacle incontournable. Elle n’était pas belle; elle était pire. Elle avait une vérité dans son jeu et dans sa voix, une voix de gorge, rauque et profonde, de grands yeux cernés, une présence forte et une sensualité indéniable…
La première fois que je l’ai vue, elle jouait Pina dans “Ville Ouverte” et j’avais été bouleversée par une scène inoubliable:
Son mari est arrêté par les nazis et la voilà, elle court derrière le car des soldats, hurle son désespoir. Elle crie “Francesco! Francesco!” et puis elle est tuée en pleine rue par une rafale de mitraillette alors qu’elle tente de le rejoindre…
Et cette image forte du film de Rossellini nous plonge tout de suite au coeur du drame:
Pendant l’hiver 1944, même si les Alliés n’y sont pas encore entrés, Rome est déclarée “Ville Ouverte” pour épargner son patrimoine. Mais la Gestapo rôde toujours et arrête les membres d’un réseau de résistants qui, tous, seront mis à mort…
Les Allemands perquisitionnent l’immeuble où habite Manfredi, un des chefs du Comité de Libération Nationale. Il a le temps de filer par les toits et se réfugie chez son ami Francesco qui doit épouser le lendemain sa voisine de palier, Pina. Manfredi confie à un prêtre, ami des résistants, la mission d’aller chercher à sa place une somme d’argent dans une imprimerie clandestine. Le lendemain, jour du mariage de Francesco et Pina, les soldats nazis cernent la maison. Manfredi s’échappe, mais Francesco est arrêté…
Diva de la scène et femme du peuple, la Magnani était une écorchée vive, indisciplinée, imprévisible, exubérante, excessive et insupportable. Mais c’était avant tout une formidable actrice. C’était une tornade, Anna Magnani.
Elle est morte à Rome en 1973 d’un cancer au pancréas, me laissant en héritage ses interprétations de femmes passionnées, au tempérament fort et attachant.
michèle voltaire marcelin
Elle détestait la solitude et ses angoisses la poussaient vers des gigolos de passage:
“Je n’aime pas rester seule au lit avec la Magnani”, disait-elle.
*“Elle parle. Elle jette sa vie sur sa langue. Elle a toujours voulu tout et tout de suite. Elle est une comédienne célèbre. Elle a beaucoup parlé avec les mots des autres. Elle n’avait pas le temps de sa propre vie, mais voilà que son corps l’a rattrapée, l’a même doublée. Elle met du passé dans ce présent trop mortel. Elle appelle ses amis : Fellini, Pasolini, Visconti. Elle sait qu’il est trop tard. Elle ne s’y résigne pas. Elle ne s’est jamais résignée.”
Bernard Noël, La Langue d’Anna, 1998.
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La Bataille d’Alger
“Cette guerre était une partie d’échecs, que ni les colonialistes ni les Algériens n’ont gagnée: c’est l’Histoire et la douleur qui l’ont emporté” — Yacef Saadi, ex-militant du FLN
Alger, octobre 1957; les forces d’élite françaises entrent dans la Casbah et viennent s’emparer d’Ali La Pointe, le chef guérillero du Front de Libération Nationale.
Dans La Bataille d’Alger, c’est Brahim Aggiag, un jeune berger analphabète repéré sur un marché, qui interprète le rôle d’Ali la Pointe, le héros du film du réalisateur Gillo Pontecorvo.
Il a des yeux qui trouent l’écran. Des yeux trop noirs en vérité et qui vous brûlent dans la dernière scène du sacrifice final, quand il choisit la mort plutôt que la honte de la capture. Le colonel Mathieu l’interpelle: “Ali! Ali la Pointe! ” et il n’y a que son regard comme réponse. Et quand il meurt, c’est un peu l’espoir qui meurt aussi dans cette salle de cinéma.
Tourné 3 ans après l’indépendance de l’Algérie et le rapatriement de plus d’un demi-million de colons français, le film a été réalisé en noir et blanc dans un style documentaire, avec la technique de caméra épaule pour les scènes de foule. Pontecorvo nous présente la guerre d’Algérie sous deux angles : celui d’Ali la Pointe, ancien délinquant et proxénète radicalisé lors d’un séjour en prison et qui devient l’un des leaders du F.L.N., et celui du colonel Mathieu qui commande les opérations des parachutistes français. Les horreurs commises par les deux camps nous sont exposées avec l’usage de la torture d’un côté, et les attentats aveugles de l’autre.
Considéré par beaucoup comme un film du patrimoine Algérien, La Bataille d’Alger reste le plus important témoignage de cette époque. A voir ou à revoir, ABSOLUMENT!!!
michèle voltaire marcelin
*Censuré en France pendant près de 40 ans, le film vient de sortir de l’oubli après un passage aux États-Unis où il est largement utilisé par l’armée américaine qui le fait visionner aux officiers se rendant en Irak, afin qu’ils voient comment une population peut se défendre contre une armée d’occupation, et ainsi peaufiner à l’aide de ce film leurs méthodes de contre-guerilla.
* The New York Times (Septembre 2003)
* Titre original : La Battaglia di Algeri
* Réalisation : Gillo Pontecorvo
* Scénario : Gillo Pontecorvo, Franco Solinas
* Musique : Ennio Morricone
* Photographie : Marcello Gatti
* Montage : Mario Morra, Mario Serandrei
* Production : Antonio Musu pour Igor Film (Italie)
* et Yacef Saadi pour Casbah Film (Algérie)
* Format : Noir et blanc
* Durée : 117 minutes
* Dates de sortie: 1966 Festival de Venise; 1971 France
The man by the Shore
L’Homme sur les Quais
We are in Haiti, at the beginning of the sixties under the terror regime of Papa Doc. Six-year old Sarah (Jennifer Zubar) observes a violent scene from the balcony of her parents’ house. Later, under the supervision of her father (François Latour), a military captain, her godfather Sorel (Patrick Rameau), is arrested and tortured by commanding officer Janvier (Jean-Michel Martial) for alleged subversive activities. After their parents flee the country due to the political situation, Sarah and her sisters are sheltered by nuns.
Grandmother Camille Desrouillère (Toto Bissainthe),with the help of a fellow business man (Albert Delpy) tries to usher the children out of the country but Janvier thwarts their escape. A new conflict breaks out as Janvier’s arrogant wife
(Michèle Marcelin) walks in the grandmother’s store to demand an exchange for used shoes. Days later, Ms. Desrouillère disappears…
A story about repression sensitively told by Haitian director Raoul Peck, whose last films include “Lumumba” and “Sometimes in April”.
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Haitian Films
DWA FANM invites you to Our Third Annual Voices of Women :
Celebrating Haitian Women Filmmakers. An auction and film-festival to benefit Haitian women survivors of violence in Haiti and in the United States and presenting the work of more than 9 extraordinary women, their achievements, their vision and their use of film as language to speak with the world about women’s struggles, gender bias, racism, class, sexuality, abuses, oppression and child labor.
Narrator, artist and actress Michele Marcelin will walk us through excerpts from each film.
Screening films by Michele Stephenson, Elsie Haas, Patricia Benoit, Rachele Magloire, Michele Lemoine, Claudette Coulanges, Anne Lescot, Laurence Magloire, Michaele Jean.
Also acknowledging the first Haitian film to deal with restavek in Haiti, “Anita”, by Rassoul Labouchin and “Si’M Pa Rele”, by the late Martha Jean-Claude.
* “Faces of Change”, [2001 Work in Progress] A film by Michele Stephenson depicting poignant stories about the lives and experiences of six women as they encounter racism and discrimination. Michele Stephenson is one of Dwa Fanm’s founding members.
* ‘Enfants des Rues’ (1997), [Children of the Streets] Rachele Magloire’s story of children on the streets of Port-au-Prince. A story about the sexual exploitation of children living in poverty. A documentary about the prostituting of Haitian children.
* ‘Chronicle of the Bird-Women’ (1997), [Madan Sara/Street Vendors]. By Michele Lemoine. A documentary on the life of two Haitian women street merchants, Hermite Pierre and Visita Colagen and their economic struggle.
* ‘Looking for Life’ [Cherche La Vi] (1999) by Claudette Coulanges. A story about two Haitian women, and their interaction with each other. One sells pre-cooked food in front of a factory and the other woman is a factory worker. The film depicts the important role of Haitian women in the Haitian economy.
* ‘Of Men and Gods’ (2002), A film by Anne Lescot and Laurence Magloire. A vivid documentary on voodoo, religion, homosexuals, gender and sexual identity in Haiti; a rare and honest portrayal of gender oppression.
* ‘Se Met Ko’ [Your Body,Your Responsibility] (1989). By Patricia Benoit. A ’soap-opera’ about AIDS and HIV infection in New York’s Haitian Community.
* ‘Tropique Nord’ (1994) [North Tropic) by Michaele Jean. This film deals with the issue of Haitian and racial identity in Quebec.
* 'Les Enfant Du Coup D'Etat' [Children of the Coup D'Etat] (2001), by Rachele Magloire. A film which deals with the Coup D’Etat, focusing on the years between 1991 and 1994 and after, and also focuses the stories of survivors of violence.
Live music performance by jazz singer Myriam Augustin and Alix (Buyu) Ambroise, Eddy Bourjolly, Robert (Bob) Raymond and Sergo Decius. Also introducing for the first time on stage, songstress Sandra Lebrun.
